Los Orígenes de los Bailes de Swing

© Michael Richardson - UK Hepcat Swing Dance Club
 Traducción al castellano: Daniel Blanco, 2004

Todos los derechos reservados // Prohibida la reproducción total o parcial sin autorización expresa

Índice

1. Breve Nota Sobre la Historia del Baile en EE.UU
2. El Origen de los Bailes de Swing
3. El Lindy Hop
4. El Jitterbug
5. El Charleston
6. El Collegiate Shag
7. El Balboa
8. El Ballroom Swing (East Coast Swing)
9. El West Coast Swing
10. El Ballroom Jive

1. Breve Nota Sobre la Historia del Baile en EE.UU.

Hasta 1900, los americanos emularon el prototipo cultural europeo, e hicieron lo que pudieron para bailar y vestir según las modas dictadas desde París y Londres. Los americanos eran dolorosamente conscientes de que los europeos les consideraban toscos y socialmente torpes. Durante la mayor parte de la segunda mitad del siglo XIX el baile social en América se redujo a los bailes de las celebraciones privadas, y representaciones teatrales de Ballet, según el estilo de la tradición europea. La música europea del siglo XIX se basaba en el método y una estructura fuertemente formalizada.

La aproximación americana al mundo del baile no empezó a tomar cuerpo seriamente hasta principios del siglo XX. Se desarrolló un fuerte sentimiento nacional de que América tenía que romper con el pasado, ser progresista y desarrollar su propia identidad cultural. El legado de los pioneros americanos, con su independencia y libertad, era muy popular entre la prensa de la época. Los americanos perdieron paulatinamente el miedo a ser diferentes de los europeos y se sientieron cada vez más orgullosos de sus propias señas de identidad.

A medida que los americanos se sentían confortables en su nueva identidad formada  de la fusión de múltiples influencias culturales, comenzaron a cuestionarse (como hicieron muchos europeos) la validez de formas de baile tan ineludiblemente ligadas a la tradición, por sus relativamente limitadas formas y estilos. Como resultado, el baile americano se volvió gradualmente una síntesis de las influencias europeas, africanas, caribeñas y latinoamericanas. Aun más, los americanos empezaban a enfatizar la creatividad de la expresión personal en sus bailes, junto con la adaptación informal de pasos de unos estilos de baile en otros. Como resultado, la innovación, la creatividad y la imporvisación se convirtieron en características esenciales del baile americano.

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2. El Orígen de los Bailes de Swing

Las raíces de los bailes de swing se encuenran en los bailes espontáneos que bailarines llenos de talento improvisaban a los acordes del piano ragtime, el jazz y el dixieland, apenas iniciado el siglo XX. El origen de esta música se encuentra principalmente en "El Sur", en áreas como Nueva Orleans, aunque también ciudades como Chicago, Kansas City y Nueva York tuvieron su parte en el desarrollo inicial del swing. Dada su evolución a partir de la música de jazz, el swing tiene sus orígenes históricos profundamente enraizados en la historia de la música y el baile americanos. De hecho, igual que el Jazz es a menudo presentado como la contribución americana más importante al mundo de la música, la familia de los bailes de swing pasa por ser la mayor contribución americana al mundo del baile, además de ser el primer baile inventado enteramente por americanos.

En las décadas de los años 1910 y 1920, la comunidad afro-americana, principalmente en las mayores áreas metropolitanas, empezó a bailar una forma de música que era una síntesis de la música contemporánea. Esto incluía el Jazz (una rítmica y expresiva mezcla de formas musicales afro-americanas e irlandesas), el Ragtime (que enfatizaba una línea melódica fogosa y sincopada), y el Charleston. El baile que evolucionaría a partir de ese proceso de síntesis fué conocido más tarde como el "Lindy Hop".

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3. El Lindy Hop

El baile de swing original es el Lindy Hop. Fué desarrollado principalmente en la ciudad de Nueva York por bailarines afro-americanos en la sala de baile "Savoy Ballroom". El Savoy abrió sus puertas el 26 de Marzo de 1926 en el distrito de Harlem de la ciudad de Nueva York. Por supuesto, había otras salas de baile, como la "Alhambra" y la "Roseland", entre otras. Pero el Savoy fué un éxito inmediato, con su pista gigante [1] y su doble tribuna elevada para las orquestas.

Afirma la leyenda que a mediados de los años 20 los bailarines del Savoy bailaban el Charleston, incorporando elementos de otros bailes populares del momento como el "Texas Tommy", el "Black Bottom" y el "Cakewalk". El Lindy Hop nació cuando los bailarines empezaron a incorporar figuras abiertas [2] pasando de posiciones cerradas a posiciones abiertas bailando Charleston en pareja. Esta 'apertura' de la posición se convirtió en lo que hoy se conoce como el 'Swing Out' o el 'Whip' del Lindy Hop. El nombre de 'Lindy Hop' surgió supuestamente en el Savoy Ballroom en 1927, en conmemoración  del famoso vuelo de Charles Lindberg en solitario a través del Océano Atlántico. El primer 'aerial' o paso aéreo fué realizado por la leyenda del Lindy Hop Frankie Manning en 1935 en el Savoy, durante una competición de baile.

Los bailes nocturnos del Savoy atraían a los mejores bailarines del área de Nueva York, tanto blancos como negros. Estimulados por la presencia de estos grandes bailarines y unas bandas excelentes, la música del Savoy era una modalidad de Jazz especialmente 'oscilante' [3]. La creatividad se desbordaba debido a la diversidad, y emergió una nueva generación de bailarines. Chick Webb y su orquesta era la banda permanente del Savoy. Su trabajo consistia en mantener el terreno frente a otras bandas que venían al Savoy para competir con ellos en "La Batalla de Orquestas", donde cada banda tenía que dar lo mejor de sí misma para superar a la otra. Los bailarines hacían lo que podían para seguir sus intrincados solos y unos tempos frenéticos. En las competiciones de los Sábados por la noche, los bailarines competían unos contra otros hasta el amanecer, inspirando todavía una mayor energía creativa.

El Lindy Hop empezó a extenderse rápidamente por todos los EE.UU. Incluso la edición de la revista Life del 23 de Agosto de 1943, declaraba el Lindy Hop como "baile nacional". Con el tiempo, el Lindy Hop evolucionó en una variedad de bailes de swing, como el West Coast, el Jive, Boogie Woogie, etc.

Con influencias que tenían su origen en el Charleston, bailes tradicionales de África Occidental y diversos bailes sociales europeos, el Lindy Hop no sólo incluía el baile en pareja, sino sólos individuales y bailes en línea [4] El Lindy Hop rápidamente se extendió por los EE.UU y fuera del continente influyendo en la aparición de muchos estilos regionales diferentes de bailes de swing.

Mientras que el baile que evolucionó a partir de esta imparable fuerza creativa fué conocido como el "Lindy Hop", no hay que olvidar que durante los inicios de los bailes de swing coexistieron muchos estilos diferentes que hoy permanecen sin nombre y de los que no existen referencias documentales. Con todo aquel talento creativo presente en el Savoy Ballroom, no cabe esperar una homogeneidad de estilo en una sala de baile con capacidad para 4.000 personas, sino más bien una combinación ilimitada de diversos bailes populares contemporáneos.

Técnicamente, el Lindy Hop tiene un paso básico de 8 tiempos: 1, 2 (normalmente 'step', 'step' para el seguidor); 3 y 4 ('triple step'); 5, 6 ('step', 'step'); 7 y 8 ('triple step'). El Lindy Hop consiste principalmente en patrones de 8 tiempos, pero es un baile versátil que puede incorporar fácilmente patrones de 6 tiempos. El Lindy Hop a menudo se define a partir de su patrón básico de "swing out" o "whip".  En estos patrones básicos, la estructura de baile en Lindy Hop tiene forma rectangular y alargada y los bailarines giran simultáneamente sobre un eje central. Este eje tiende a permanecer en el mismo sitio en lugar de moverse sobre la pista. Si los bailarines están descompensados respecto a este eje, el 'frame' [5] puede colapsarse fácilmente debido a una distribución desequilibrada de fuerzas.

Estilísticamente, el Lindy Hop se baila con una postura baja, con las piernas relajadas, las rodillas dobladas y elásticas, manteniendo el centro de gravedad bajo. Frecuentemente el Lindy Hop y el Jitterbug incorporan pasos con 'kicks' [6] y al estilo 'Charleston'. Una característica clave y de las más atractivas del Lindy Hop (y del Jitterbug de las décadas 1930/40) es que permite toda la flexibilidad necesaria para la expresión musical, la creatividad, la innovación y la improvisación en plena libertad, tanto en el baile en pareja como en los 'sólos' individuales.

El Lindy Hop es probablemente la forma más avanzada de los bailes de swing desde la perspectiva de las habilidades técnicas necesarias para la expresión musical en bailes de tipo "guiar y seguir" [7]. El Lindy Hop es uno de los pocos bailes de pareja que ofrece tanto al líder como al seguidor libertad para estilizar sus propios movimientos sin salirse de la estructura de la frase musical. Esta libertad es muy atractiva para las parejas de baile una vez que han superado los niveles más básicos y adquieren suficiente experiencia.

Utilizando técnicas intermedias y avanzadas de "conexión", los movimientos en el Lindy Hop se ejecutan mejor en concordancia con la música. El líder "siente" la música y crea para el seguidor un entorno en el cual ella puede usar la improvisación y la creatividad para realizar sus movimientos, empleando al mismo tiempo las técnicas de seguimiento adecuadas. Este es un concepto en cierto modo difícil de entender, dado que uno nunca llega a dominar plenamente las técnicas y habilidades de conexión, sino que simplemente va adquiriendo cada vez más experiencia adicional. ¡Pero la recompensa es tremenda para aquellos que lo intentan y logran alcanzar cualquier nivel de éxito!

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4. El Jitterbug

El Jitterbug evolucionó a partir del Lindy Hop. Era bailado inicialmente por blancos en los años 30/40, adaptado a partir del Lindy Hop bailado por negros. A finales de los años treinta, los medios de comunicación y la ámplia mayoría de bailarines de fuera de la ciudad de Nueva York habían adoptado Jitterbug como nombre genérico para referirse a todas las formas de los bailes de swing. Los soldados americanos durante la 2ª Guerra Mundial popularizaron especialmente en Europa el Lindy Hop como Jitterbug. A caballo entre los años 40 y 50, la música más popular empezó a acelerarse y los estilos de baile en general empezaron a cambiar y a evolucionar. Además, vocalistas individuales como Peggy Lee, Frank Sinatra y Nat King Cole, empezaban a sustituir a los músicos y a las orquestas como pieza central del entretenimiento musical. Quizás la rápida difusión de la televisión, junto con el advenimiento y la aceptación popular del entretenimiento en casa (y una generación de postguerra más preocupada por desarrollar una carrera profesional y mantener una familia) fueron el golpe de gracia que acabó con la era de las 'Big Band'. En 1948 había alrededor de 400.000 televisores en los EE.UU. Apenas tres años después, en 1951, el número era de diez millones; y a finales de la década se había alcanzado los cincuenta millones de aparatos.

A medida que las grandes orquestas comenzaban a declinar durante (y después de) la 2ª Guerra Mundial, las salas de baile caras y poco rentables, comenzaron a cerrar. Las pistas de baile de los clubs, bares, etc. reducían su tamaño. Los bailarines adaptaron el Lindy Hop sustituyendo el patrón básico de ocho tiempos por el de seis (más fácil de llevar con músicas que eran cada vez más rápidas). Eliminaron los "swing out", "whip" y otros pasos similares que, aun siendo característicos del Lindy Hop, ocupaban demasiado espacio en las cada vez más reducidas pistas de baile.

Técnicamente, el Jitterbug se define normalmente por su habilidad para combinar un paso básico de seis tiempos con otros patrones de seis y ocho tiempos. El básico de seis tiempos del Jitterbug puede consistitir en una variedad de combinaciones estilísticas. El patrón más habitualmente utilizado hoy día es el "single-step, single-step, rock-step". También, muchos bailarines de Jitterbug de los años cuarenta y cincuenta utilizaban el 'Collegiate Shag' de seis tiempos como patrón básico.

Estilísticamente, el Jitterbug es similar al Lindy Hop. El Jitterbug muestra un aspecto ligero, despreocupado y 'saltarín' [8]. Se baila manteniendo un centro de gravedad bajo, con el peso desplazado generalmente hacia adelante, las rodillas flexionadas y elásticas, una sensación de balanceo en los piés y una postura corporal "suelta" pero aun así controlada. El Jitterbug enfatiza las variaciones interpretativas de los ritmos de su paso básico y otros patrones de seis y ocho tiempos. Como el Lindy Hop, en el Jitterbug tienen especial importancia los elementos de improvisación de los bailes de swing, utilizando pasos de apertura y posiciones cerradas [9] que permiten a los bailarines expresar su creatividad con el trabajo de los piés [10], el lenguaje corporal y la postura. El Jitterbug es un baile que conviene conocer porque probablemente uno podrá usarlo con personas que bailen cualquier otro baile de swing, en todas sus formas, especialmente en clubs nocturnos, bodas y otros eventos sociales.

Sin embargo... [11]

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5. El Charleston

El Charleston se estableció (en todo el mundo) durante la era del Jazz-Ragtime. Se cree que estas séries de pasos tienen su origen entre afro-americanos residentes en una pequeña isla próxima a la ciudad de Charleston, en Carolina del Sur. El Charleston se bailaba ya en 1903 y se abrió camino hacia las producciones escénicas de Harlem alrededor de 1913. En 1923 se introdujo en los teatros, llegando al gran público a través del "New Amsterdam Theater" de Nueva York, cuando la compañía "Ziegfield Follies" representó un número que incluía el Charleston. Fué un éxito inmediato.

En los años veinte a las mujeres que bailaban Charleston se les llamaba "Flappers" [12] debido a la manera en que agitaban sus brazos y caminaban como pájaros mientras lo hacían. Muchos estudiantes universitarios de la época, principalmente hombres, vestían 'racoon coats' y sombreros de paja mientras bailaban el Charleston.

Mucha gente vió en el Charleston y sus seguidores el final de la moralidad y las buenas costumbres. En 1925 la revista 'Variety' informó de que en Boston, las vibraciones causadas por los bailarines de Charleston fueron tan fuertes que causaron el hundimiento del "Pickwick Club" (una sala de baile), catástrofe en la que murieron cincuenta personas. En muchas salas se colgaban carteles donde con las siglas "PCQ" se solicitaba al público que bailara Charleston "en voz baja" [14].

En 1926 el Charleston fué reemplazado por otros bailes populares del momento. Hoy en día, pasos y patrones al estilo del Charleston (a menudo llamados Lindy-Charleston) son muy populares entre los bailarines de Lindy Hop y Jitterbug.

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6. El Collegiate Shag

El Collegiate Shag es un baile que evolucionó a partir del Charleston. Se cree que fué originado en el sur y se hizo popular en las décadas de los años veinte y treinta entre los estudiantes universitarios. El Collegiate Shag se baila normalmente usando patrón básico de seis tiempos. Puede bailarse tanto en posiciones cerradas como abiertas y suele utilizarse con los temas de swing más rápidos. Sus pasos consisten básicamente en pequeños saltos que se reconocen enseguida por la particular oscilación de los pies hacia atrás y hacia los lados. El Collegiate Shag fué tan popular a finales de los años treinta que incluso Arthur Murray [15] empezó a enseñar una versión 'recortada' y más 'apropiada' de este baile.

El Collegiate Shag es un baile muy aeróbico y enérgico, cuya popularidad experimentó un resurgimiento en los años noventa y es muy apreciado entre muchos bailarines de swing de la actualidad. Si alguna vez has visto dibujos animados donde unos bailarines unen sus mejillas y sus torsos apretando el uno contra el otro, mientras que sus pies se mueven velozmente bajo ellos, ese es el estilo de baile llamado Colegiate Shag.

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7. El Balboa

El Balboa es un estilo de baile que le permite a uno bailar cómodamente ritmos de swing muy rápidos sin ocupar excesivo espacio en la pista. El básico del Balboa utiliza unos movimientos de piés, cortos, rápidos y atractivos, que sin apenas elevarse del suelo crean la impresión general de un movimiento que fluye con ligereza, óptimo para temas de swing muy rápidos.

La tradición sostiene que el Balboa se desarrolló inicialmente en el sur de California durante la década de los años treinta, como resultado de las pistas saturadas de gente del salón Revendezvous Ballroom en la isla de Balboa, en la playa de Newport. Mediados los años treinta no era inusual que las grandes salas de baile organizaran eventos para más de tres mil personas (la foto de la derecha muestra alrededor de 6.500 bailarines en el Palladium Ballroom de los Angeles, bailando para la orquesta de Glenn Miller a finales de los años cuarenta). A medida que las salas se llenaban de más y más gente, bailes como el Charleston y el Lindy Hop se volvieron impracticables; algunas salas llegaron a establecer normas que prohibían los pasos de apertura para evitar lesiones.

Durante los años treinta y cuarenta, el Balboa era muy popular a lo largo de toda la costa oeste de los EE.UU. Originalmente se bailaba en posición cerrada, aunque también se desarrollaron patrones y pasos en posiciones abiertas. Hoy en día se llama a esto Balboa-Swing (o Bal-Swing), aunque los bailarines de la época se referían a su baile llamándolo simplemente "swing".

La popularidad del Balboa disminuyó durante los años de postguerra, aunque se mantuvo con vida gracias a muchos de los bailarines originales de la época. El Balboa fué "redescubierto" por Sylvia Sykes y Jonathan Bixby en los años ochenta (este baile también se benefició del resurgimiento general de los bailes de swing durante los años noventa). Pudieron aprenderlo de muchos de los bailarines originales, incluyendo a Maxie Dorf, considerado como el Rey del Balboa. (Maxie Dorf fue miembro de una compañía muy popular del sur de California en los años treinta llamada los "Ray Rand Swingers").

The Ray Rand Swingers: Lawrence Wise & Lillian Arnold Maxie Dorf & Mary McCaslin Gil Fernandez & Venna Cascon, (1937)

Maxie Dorf (in Navy uniform)

Sylvia Sykes & Maxie Dorf (Maxie Dorf passed away in 2000)

El Balboa es muy popular entre los bailarines de swing de la actualidad. Es un baile de ocho tiempos donde la pareja baila la mayor parte del tiempo muy próxima. Su patrón de ocho tiempos no es como el del Lindy Hop y Jitterbug tradicionales. El Balboa tiene la apariencia de un baile de dibujos animados, con mucho movimiento de piés y muy atractivo, aunque estos apenas abandonan el suelo. La parte superior del cuerpo permanece estática y normalmente la pareja no se desplaza demasiado sobre la pista. El Balboa se puede bailar cómodamente en una gran variedad de tiempos musicales. Se suele utilizar más frecuentemente para bailar tiempos rápidos, entre 190 y 250 'beats' por minuto, o superiores.

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8. El Ballroom Swing (East Coast Swing)

Aunque el UK Swing Dance Club no enseña Ballroom Swing, se han formulado preguntas sobre el desarrollo histórico del Ballroom Swing (East Coast Swing) en relación con el Lindy Hop y el Jitterbug. La siguiente información se facilita en este contexto.

El Ballroom Swing [16] (a menudo "East Coast Swing") a veces también es equívocamente llamado "Jitterbug", pero esta comparación es incorrecta. Mientras que el Jitterbug evolucionó a partir del Lindy Hop, el Ballroom Swing fué específicamente desarrollado por el "establishment" del mundo de las escuelas del baile, como una decisión empresarial  en reacción a la aparición del Lindy Hop.

El Ballroom Swing es a menudo la primera forma de swing que se enseña a la gente porque es la más fácil de aprender [17]. A partir de mediados los años cuarenta, el Lindy Hop fué diseccionado y destilado por profesores de las principales academias de bailes de salón con la intención de adaptar sus enseñanzas a unas pistas de baile masificadas y a un público muy numeroso que en general no estaba excesivamente cualificado, aunque eso sí, deseoso de pagar a cambio de unas lecciones de baile. Tomaron los movimientos más básicos del Lindy Hop, seleccionaron los más fáciles de ellos y basaron el juego de piés en patrones de seis tiempos, similares a los del Jitterbug y el Foxtrot. Además, los profesores de bailes de salón, más atraídos por los estilos de baile latinos (como el Tango argentino, el Pasodoble español, la Samba brasileña, el Merengue portorriqueño, el Mambo cubano y el Cha Cha), añadieron movimientos latinos de cadera a este nuevo baile. Como resultado las escuelas de bailes de salón desarrollaron un estilo Ballroom Swing que apenas recordaba vagamente al Lindy Hop y el Jitterbug originales de los años treinta y cuarenta.

Inicialmente el "establishment" de las escuelas de baile trató de ignorar el Lindy Hop y a los bailes de swing en general. A finales de los años veinte, la Asociación de Profesores de Baile de Nueva York (NYSTD), la Asociación Americana de Profesores de Baile (ASTD) y la Asociación Empresarial de Profesores de Baile (DTBA) [18] se reunieron en su asamblea anual para denunciar al Lindy Hop. La Asociación de Profesores de Baile (DTA) llegó a advertir que el Lindy Hop era "una forma de histeria que se demostraría dañina para la estabilidad de la generación actual" y describía este baile como "vulgar e inaceptable".En 1936 Philip Nutl, presidente de la ASTD, expresu la opinión de que "el swing no duraría más allá del invierno". En 1938 Donald Grant, presidente de la DTBA, dijo que la música swing "es una forma degenerada de jazz, cuyos devotos eran las desafortunadas víctimas de la inestabilidad económica".

Los profesores de bailes de salón se resistían a enseñar Lindy Hop por una variedad de razones. Algunos tenían problemas para perfeccionar los movimientos, no estaban suficientemente familiarizados con el baile, o no eran lo suficientemente ágiles para realizar los pasos y los movimientos con el mismo estilo y el espíritu que se bailaba en la calle, perdiendo la esencia de este baile. Las convenciones de los bailes de salón también restringían ciertos movimientos del cuerpo (especialmente en caderas y torso).

Otros profesores tenían dificultades para enseñar los aspectos de improvisación del baile. Incluso si eran capaces de improvisar ellos mismos, el profesor necesitaba disponer de unos pasos que enseñar o de algún sistema que permitiera 'enseñar' la improvisación. También, una vez que los alumnos eran capaces de improvisar creativamente, a los profesores les preocupaba no tener ya nada más por enseñarles. Muchos profesores sentían que la libertad para la improvisación y la innovación era excesívamente difícil para sus estudiantes, entrenados para pensar en la necesidad de una série de pasos estructurados y de reglas para asegurar un estilo y una gracia apropiados.

Los profesores de bailes de salón también se resistían a enseñar Lindy Hop como consecuencia de la percepción que tenían de sí mismos en cuanto a su posición social. Se veían a sí mismos como los profesores del baile "correcto", académico, definido por la elegancia y la pose. Servían a una clientela conservadora, de clase alta, para quienes aprender a bailar era un asunto de "buenas maneras" y de etiqueta, una necesidad para todos los miembros destacados de ese estrato social. Como muchas iglesias y revistas habían declarado a los bailes de swing como algo maligno y destructivo, los profesores de bailes de salón sentían que no habría mercado para este tipo de bailes en los círculos elitistas en que se movían.

Pero la vitalidad de la música swing y de sus bailes demostraron ser imposibles de ignorar.

A principios de los años cuarenta había numerosos profesores de la calle y escuelas de baile independientes que enseñaban a bailar swing. (Como mencionaba más arriba, la edición del 23 de Agosto de 1943 de la revista 'Life' incluso declaraba al Lindy Hop como "baile nacional"). El "establishment" de los bailes de salón poco a poco se dió cuenta de la cantidad de negocio que estaba dejando escapar. En 1942 varias de su instituciones decidieron que "el jitterbug no podía seguir siendo ignorado por más tiempo. Sus 'brincos' podían ser refinados para permitirles la entrada en una pista saturada de gente." Las escuelas de baile afiliadas a la Asociación de Profesores de Baile de Nueva York y las escuelas de Arthur Murray empezaron a documentar y a enseñar swing, incorporándolo formalmente entre sus enseñanzas.

La aceptación del swing por parte de la comunidad de los bailes de salón demostró ser una espada de doble filo. Por un lado, la formalización y codificación del swing facilitó puntos de referencia que resultaron ser extremadamente valiosos para la supervivencia y el progreso, no sólo del Ballroom Swingsino también de otros estilos de baile. En todas las formas de expresión artística existen técnicas que facilitan el aprendizaje o que permiten alcanzar un objetivo con más eficiencia; y en la comunidad delBallroom Swing aun hoy hay grandes expertos en la enseñanza de pasos y patrones de baile. Millares de personas han aprendido el swing de los bailes de salón en academias de baile o a partir profesores adiestrados e influídos por este estilo de swing.

Por otro lado, el estilo de swing formalizado, codificado y enseñado por las escuelas de bailes de salón era un estilo de swing mucho más simple ("domesticado y refinado"), más apropiado para las pistas de baile abarrotadas, y diseñado a la medida de los clientes 'tipo' de las escuelas de baile (huelga decir que el swing no fué el único baile social "domesticado y refinado" por las escuelas de baile de la época, como p.e. el Mambo [19]). El Ballroom Swing enseñado actualmente carece del sentimiento, el estílo y el énfasis en la musicalidad, creatividad y libertad que tenían el Lindy Hop y el Jitterbug de los años treinta y cuarenta. Esta formalización ha alcanzado su nadir artístico y técnico en la versión de competición del Ballroom Swing, llamado "Jive", donde todas las parejas bailan esencialmente lo mismo y no se permite ninguna desviación de la norma. Hay que decir que el estilo de swing de los bailes de salón; fué inicialmente llamado "Jitterbug" por las esculas de baile, pero más tarde se le rebautizó como "East Coast Swing" para diferenciarlo del "West Coast Swing", los dos estilos diferentes de swing que se bailaban en ambas regiones de los EE.UU.

Técnicamente el Ballroom Swing se define a partir de un patrón básico de seis tiempos compuesto por triples ('triple-step', 'triple-step', 'rock-step'). Hay que destacar que el patrón de paso triple era esencialmente desconocido para los bailarines de Lindy Hop y Jitterbug de los años 40 y 50 que aprendieron swing fuera de una escuela formal de baile. El Ballroom Swing consiste casi en su totalidad en patrones de pasos de seis tiempos. Para los temas musicales rápidos, el Ballroom Swing a menudo se transforma en un patrón 'step', 'step', 'rock-step', pero el baile permanece técnicamente igual. Aquellos pasos que no encajan fácilmente con los temas rápidos son descartados, en lugar de ser adaptados a las nuevas necesidades.

El 'frame' (ver [5]) del Ballroom Swing está desplazado de manera que líder y seguidor miran sobre el hombro derecho de su compañero. La estructura del movimiento (especialmente en posiciones cerradas) es "redondeada", (de manera similar a otros bailes de salón, como el vals) y tiende a desplazarse sobre la pista en un movimiento espiral, alternando a menudo con patrones cirulares. En estos patrones circulares el líder se desplaza alrededor del seguidor en la primera parte de su 'triple-step', para alternarse con el seguidor, quien se desplaza alrededor del líder en la segunda parte del 'triple-step'.

Estilísticamente, el Ballroom Swing se baila con el cuerpo en una posición elevada y derecha. Se enfatiza la acción del brazo y la cadera. Las posiciones abiertas que se enseñaban, normalemnte requerían que ambos bailarines mantuvieran siempre el contacto físico a través de las manos. De esta manera, normalmente no se incluían 'rupturas' (ver [2]) en los patrones de movimiento. Como se ha dicho, el Ballroom Swing se desplaza normalmente en movimientos cirulares, poniendo el énfasis en la forma más que en el estilo individual. Estilísticamente, los pasos y patrones de los bailarines se reflejan mutuamente, es decir, los pasos del líder son el equivalente simétrico de los del seguidor, y vice-versa. El 'rock-step' del Ballroom Swing a menudo recuerda más a un 'rock-step' de estilo "Latino". Durante este 'rock-step' a menudo se produce un pronunciado cambio de peso, con los hombros y caderas llegando y saliendo juntos.

Una última nota sobre la aceptación del "Swing" entre la comunidad de los bailes de salón: No solamente se "domesticó y refinó el baile mismo, sino que también se hizo con la música.

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9. El West Coast Swing

Aunque el UK Swing Dance Club no enseña West Coast Swing, se han formulado preguntas sobre el estilo de baile de swing llamado West Coast Swing. La siguiente información se facilita en este contexto.

El West Coast Swing se originó a partir del Lindy Hop, aunque del estilo de West Coast Swing que se baila actualmente ha desaparecido toda resemblanza con sus raíces en el Lindy Hop original.

Se atribuye a Dean Collins el haber sido la primera persona en introducir el Lindy Hop en la costa oeste de los EE.UU (principalmente al sur de California). Collins, que se trasladó a California en los años treinta, había bailado en el Savoy Ballroom mientras vivía en Nueva York. Antes de la popularización del Lindy Hop, los bailarines del sur de California bailaban principalmente Balboa (que se baila en posición cerrada), o "Bal-Swing" (que es una variante de Balboa, con patrones de posiciones cerradas y abiertas).

Collins bailó en Holliwood y realizó la coreografía de numerosas películas. Empezó a enseñar su estilo de swing en el área del sur de California y pronto se hizo muy popular, dando lugar a una variante del swing que eventualmente se conocería como West Coast Swing.

La necesidad de adaptar el swing a los platós cinematográficos de Hollywood se convirtió en un factor decisivo en el desarrollo del West Coast Swing. Despúes de la 2ªGuerra Mundial, los estudios de cine empezaron a producir un gran número de musicales con muchas escenas de baile. Los coreógrafos (inlcuído Collins) a menudo sustituían el patrón de movimientos circulares del Lindy Hop y del Jitterbug por movimientos elongados, sobre una línea recta o un 'carril' que permitía situar más parejas en el mismo espacio, sin que éstas tuvieran que dejar en ningún momento de dar la cara hacia la cámara. Además, esta forma de bailar encajaba mejor en aquellos relativamente pequeños platós de cine.

Al principio este estilo de swing se conoció como "Western Swing", aunque este nombre se modificó a partir de los años cincuenta por recomendación de Skippy Blair, para evitar la confusión con los bailes Country y Western. Skippy Blair fué probablemente la persona más influyente en el desarrollo del West Coast Swing moderno. Tras enseñar durante unos años en una de las esculas de Arthur Murray (ver [15]), desarrolló varios métodos para la enseñanza del West Coast que aun se utilizan hoy en día.

Técnicamente, el West Coast Swing consiste en patrones de 6 y 8 tiempos y es un baile muy encarrilado [20]. El seguidor se desplaza adelante y atrás a lo largo de una línea recta, mientras que el líder prácticamente permanece en el mismo sitio, entrando y saliendo ocasionalmente del 'carril' para dejar paso libre al seguidor. Hay multitud de movimientos de manos y brazos, 'under arm turns', pasos a izquierda y derecha, giros, vueltas, etc. El seguidor comienza sus movimientos dando dos pasos hacia adelante, seguidos por dos 'triple-step' (o un 'triple-step', dos pasos y otro triple). El segundo triple se realiza generalmente sobre un mismo sitio y se le llama 'anchor-step' [21]. El propósito principal del 'anchor-step' es el de reestablecer la tensión física entre ambos bailarines, cosa que generalmente se consigue reclinando el cuerpo ligeramente hacia atrás.

Estilísticamente, el West Coast Swing, como afirmaba al principio, ha perdido cualquier parecido real con sus raíces originales en el Lindy Hop. El baile ha desarrollado un estilo muy superficial. En muchos bailes y competiciones de West Coast se puede ver montones de purpurina, 'rhinestone belts', tacones de aguja, y gente bailando el Hustle y música 'disco'. [22]

La música utilizada normalmente para el West Coast Swing es relatívamente lenta, apenas nunca supera los 130 beats por minuto. Raramente se ve ningún tipo de patrón de los que normalmente se asocian con el Lindy Hop.

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10. El Ballroom Jive

Aunque el UK Swing Dance Club no enseña Ballroom Jive, se han formulado preguntas sobre el estilo de baile de swing llamado Ballroom Jive. La siguiente información se facilita en este contexto.

El Ballroom Jive es la versión de competición del Ballroom Swing. El Jive fué añadido en los años cincuenta como uno más de los estilos de baile "Latino-Americanos" del "Estilo Internacional" de baile de la Asociación Imperial de Profesores de Baile (ISTD) [23]. La totalidad de la influencia europea en el baile se puede ilustrar a partir de la influencia británica en el "Estilo Internacional" de los bailes de salón. "Estilo Internacional" es en realidad un eufemismo de "Británico", esponsorizado por la ISTD. Dos de los objetivos históricos de la ISTD son: "La elevación y el avance del arte del baile, y la preservación de su prestigio y dignidad históricas" y "Estandarizar la música, los pasos y la técnica de los bailes de salón".

Los soldados del ejército de los EE.UU llevaron a Inglaterra una abigarrada amalgama de Lindy Hop y Jitterbug durante la 2ªGuerra Mundial. Sus fuerzas armadas tambien exportaron Big Bands que interpretaron música swing (p.e. la banda de las fuerzas aéreas de Glenn Miller). Muchos de estos bailes se realizaron en salones de baile ingleses donde las únicas formas de baile conocidas hasta entonces eran los bailes de salón (p.e. Vals, Foxtrot). El "establishment" del mundo del baile británico estaba "horrorizado" ante lo que ellos veían como el tosco remedo americano de los bailes de salón. "Sin embargo", escribió una autoridad inglesa del baile de la época, "es posible que se pueda encontrar un espacio en las salas inglesas para esta forma de baile". Había nacido el "Jive".

Técnicamente, el Jive es un baile de seis tiempos compuesto por tripes que ejecuta una rápida y sincopada "retracción" de pasos que le da un aspecto saltarín (ver [8]) Para el líder el patrón básico tiene un movimiento lateral-dentro-lateral, hacia la izquierda, seguido de otro igual hacia la derecha (simétricamente, para el seguidor será primero derecha y luego izquierda), seguido de un rock-step más lento. En lugar de romper los dos tiempos en "Uno y Dos" se utiliza un tiempo parcial extra al principio de la cuenta de dos, para retrotraer el pié y bajar la pierna: "y Uno y Dos", con la retracción en el primer "y". El peso se mantiene bien hacia adelante y casi todos los pasos se dan sobre los dedos de los pies. El Jive está limitado por un restringido rango de tiempos y tiene un rígido vocabulario [24] con requerimientos muy específicos sobre la dirección de movimientos, gestos, tiempos, etc. Esto limita enormemente lo que se puede hacer dentro de los confines de las especificaciones aprobadas por la ISTD. En competiciones de baile de salón, el Jive casi siempre se baila como una rutina coreografiada.

Estilísticamente, el Jive se baila con una postura erguida. La parte superior del cuerpo permanece lo más estática posible (excepto por los brazos), manteniendo la cabeza a un mismo nivel. Esto tiene tendencia a darle un aspectosaltarín (ver [8]), aunque también derecha y formal. Las caderas absorben buena parte de las inercias del Jive, incrementando el aspecto derecho y saltarín de este baile. El rock-step del Jive es  de estilo "Latino", pisando inicialmente con los dedos del pie y rodando hasta el tacón. Esto le da una continuidad de movimiento que es típica de los estilos de baile "Latinos".

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